胖姐决定重新回到这里，继续完成心中一些积存已久但被压抑的白日梦，因为经过接近半年的混沌和迷茫的日子后，从迷失到似乎找到自我，再到更加严重的迷失，而又回转到现在比较平衡的状态，PJ深刻地意识到，无法离开这样一个既私密又公开的环境，聊聊音乐、谈谈理想、说说人生。

离开蝌蚪音乐已经很长时间，那是一段非常值得怀念的日子，虽然欢日时短，给音乐杂志前前后后投稿大半年，也算是一个半吊子摇滚乐评人，又在杭州音乐圈里前前后后混了两年（去年末至今），经过这么一段不长不短的时间，已经开始慢慢戒掉音乐瘾，不至于一天不听那闹哄哄的声音就心里难受的所谓青春期。这里必须说明，虽然一直喜欢摇滚与生俱来的愤怒和叛逆，但PJ本着一颗善良淳朴的内心，对生活并没有太多的愤怒对社会也没有过多的叛逆，这在我看来，自我归咎于这是情感的麻木和心智的愚钝。同时，经过将近两年的赶新专试听量大跃进后，对于那些华而不实浮而不沉的新音乐、新乐队、新艺人、新演出慢慢失去了兴趣，或许说提高了自己的欣赏门槛更准确。所以，重回博客的PJ只会遵循自己的喜好，不再以推荐新专辑或者更新发表的乐队特写为博客主要内容。而是希望自己能让内容更内敛更私人化。

好了，废话不多说，先放上一首最近一直在听，也扒得不错的音乐，痛仰的《安阳》。非常喜欢其中的两句歌词“回忆是淡淡忧伤/别离的话不必多讲”

痛仰在杭州的专场

毛毛姐摄影

“我艰难的穿过你能想象的最黑暗的地方，将你美丽的脸庞描绘在我的枪上，我知道你会是第一个来迎接我的人，届时我将获得永生”——Black Swan

或许，我们应该满怀感恩的去面对每一天，期待生活中随时可能出现惊喜，不断充盈着我们缺乏被关怀的心灵。于是，我们期待着有这么一支乐队，有那么一首歌能如此打动我们枯涸的心田。来自英国南伦敦的Athlete或许能成为你所期待的这类乐队中的一支。他们的乐观，真诚以及对生活的释然，能给大家带来一些不一样的触动。或古灵乐观，或深沉抑郁，或坦然释怀。但这些听来都温暖人心，因为他们有一颗懂得感恩的心。

锋芒初露

与大多数音乐人一样，Joel从小受到摇滚的耳濡目染，随后在成长的某个迷茫困顿叛逆不羁寻找梦想的时刻，受到来自某位摇滚前人的影响，从而拿起吉他，尝试着通过音乐来表达，或者甚者期待着改变世界。对于Joel而言，那位摇滚前人无疑就是Blur乐队吉他手Graham Coxon，于是Joel在6岁便拿起吉他试着改变自己。1999年，14岁的Joel决定与几位从小就认识的朋友一起组队，Athlete的雏形由此形成。

早期的他们应着对Oasis的崇拜，总是尝试着模拟出Oasis式的传统英伦音乐。但很快，他们就认识到，这样的音乐并不属于这个年代的他们。虽然几乎乐队所有的人都膜拜这样令人心碎的Oasis，但那样的音乐不可能由他们创作出来。这与能力无关，而是时代赋予音乐人的灵气使然。于是，Athlete决然改变了音乐取向，并在2000年加入了同样是少年时代的朋友Tim作为键盘手。至此，乐队正式更名为Athlete。

一年后的Athlete凭借一张自制Demo，签约Regal Recordings。此时的Athlete虽已签约，但他们的音乐仍然处于尝试阶段，除了乐队成员与生俱来的灵气和长期磨合形成的默契外，乐队还没有更成熟的作品。令人振奋的是，Athlete的成长迅速的让人惊叹。2002年推出的同名EP里，Athlete已经让那份才气慢慢凝聚，作品开始呈现出奇特而美好的特质，这让主流厂牌Parlophone相中了他们。转投Parlophone的Athlete很快就推出了几首热门单曲《You Got The Style》《Beautiful》《El Salvador》，这几首作品也成为了日后乐队首批打榜的歌曲，给乐队带来了极高的人气。

才气加上努力，成功是必然。2003年Athlete推出首张专辑“Vehicles And Animals”创下250，000的销量，多首单曲打进英国单曲榜，更是获得了同年的水星奖提名。这样的荣誉让Athlete从一支默默无闻的小独立乐队一下成为了全英最炙手可热的新晋乐队之一。现在回头看来，“Vehicles And Animals”确实是一张很棒的专辑，但获得如此大的商业成功和肯定，也脱了当时英伦萎靡不振的福。Graham Coxon的离队，让Blur成了一个病号；Oasis和Blur闹完世纪之战，又忙于内战，两兄弟的冲突不断；Suede更是俨然成了没落的英国贵族的代表，估计此时的Brett 已经无心于流腻聒噪的传统英伦了，正孕育着几年后的蜕变；Radiohead的转型往着灵魂更深处，乐迷却失去了等待的耐性；而有着悠扬的声线和激情澎湃的钢琴英伦Keane却要在2004年才发行那张令人惊叹不已的Hopes And Fears。整个英伦界出现了疲软和青黄不接的现象。而此时的Athlete却处于一种具有玩票心态的阶段，于是他们的音乐脱离了当时沉闷乏味的传统音乐，带来的是奇特而优美的旋律，古灵精怪的俏皮感。《Dl Salvador》《One Million》《You Got The Style》《Out Of Nowhere》是这一类作品的代表。同时，Athlete也有这让人感怀的歌曲，《Westside》和《Vehicles And Animals》的欲罢不能，《Le Casio》的深情与无奈都是值得回味的歌曲。个人而言，更倾向于这些抒情的作品。只是由于当时的沉闷氛围，所以让乐队轻快的一面得到了更多的青睐。

起伏跌宕

如果说Athlete在Vehicles And Animals时期还带有玩票性质，那么从进入2004年开始，乐队就进入了一种前所未有的严肃状态。他们探索自身与音乐的更多可能性。如果纵观Athlete的所有专辑，包括2009年的新专辑在内，四张专辑的风格都是不尽相同的。Vehicles And Animals偏重奇特的独立旋律，融合轻微的电音。Tourist则可以看做是Athlete向传统英伦的一种致敬，加大钢琴伴奏的比重，利用《Changes》《Tourist》《Street Map》《I Love》等歌曲营造了专辑哀伤的抑郁情绪。到了2007年的Beyond The Neighborhood，乐队玩起了大融合，开场曲《In Between 2 States》是纯音乐，电子架构的音乐里能找到几许后摇的味道，《Tokyo》则带有明显的舞曲节奏，《It’s Not Your Fault》的钢琴和鼓点只见的衔接似乎有意向后期的Death Cab For Cutie靠近，还有《Hurricane》里略带Punk味的和弦走向。总的来说，Athlete只是在不断的尝试他们自身对各种音乐掌控的可能性。同时，必须承认的是Beyond The Neighborhood是一张非常动听的专辑，甚至是Athlete所有专辑里编曲最好听的一张。到了2009年的Black Swan则是乐队集成之前自己的一张专辑，可以看到Athlete对于音乐的创作持有越来越严谨的态度。

可惜的是，有时候事情发展的轨迹并不能如你所料。当你觉得身边的一切都变得越来越美好的时候，往往也是离悬崖最近的时候。单曲《Wires》和《Half Light》冲榜成功，分别获得英国单曲榜第4和第16的好成绩，《Wires》更是被评为最佳时代歌曲，这首Joel写给早产的女儿的歌曲可谓名利双收，成为乐队最经典的歌曲之一。同年，专辑Tourist发行后一周，便售出89，000份，位居英国专辑榜榜首，这是乐队成立至今商业成绩最辉煌的一刻。然而评论界却是一片臭骂，大多的批评无非是“Athlete没有秉承自身的独特创新之处，落入了走旋律的俗套”诸如此类。这样的批评虽显得有些吹毛求疵，但在当时却慢慢形成了主流声音，以至于随后专辑的销量直线下滑，犹如滑铁卢。更无奈的是，这样的影响一直延续到了2007年的Beyond The Neighborhood，致使这张专辑的销量极度惨淡。但从专辑的音乐性和创新性来评论的话，Beyond The Neighborhood却是至今所有专辑中最光辉夺目的一张。委屈了Athlete，仅仅是因为表现偏离（不是表现低于）了大家的期望形态而惨遭此劫。

重新上路

Beyond The Neighborhood的挫折，把Athlete逼入了绝境。2008年初，Athlete与Parlophone解约，于是在没有足够资金的情况下，乐队坚持完成了为期5周的全美巡演，面对每晚5000人的现场，只能Acoustic演出。巡演期间，Joel的妻子因为早产而住院，随后不久，对Joel影响颇深的外祖父去世。人生毕竟是苦难的时候居多，重要的是我们面对人生种种的时候的心态以及行动。显然Joel保持了一种沉默接受，隐忍面对的积极形态，并选择了用音乐来记录下一切。《Don’t Hold Your Breath》和《Love Come Rescue》抒发了对住院期间妻子的关怀与歉疚之情，《Black Swan Song》献给Joel最挚爱的外祖父，《Light The Way》是Joel缅怀早前与妻子的美好时光。

这些主题严肃的作品从一定程度上奠定了2009年新专辑的整体基调，感伤歉疚而不绝望悲痛，对于已拥有的一切怀着感恩之情。但09年的新专辑对于Athlete来说，却还有着更为深刻的意义，这正是将其命名为Black Swan的原因。Black Swan（黑天鹅）在欧洲的文化里隐喻了一种在正常逻辑下不可能存在的事物，正如在受尽磨难后所创作的每一首歌，在没厂牌没录音棚没制作人的重重困难下下完成录制的新专辑，还有在完成专辑后成员之间突然体会到“人生若只如初见”时的不可思议。于是，新专辑就是在一连串的不可能中诞生了。

Athlete在新专辑Black Swan中，褪去了Vehicles And Animals的玩味，消除了Tourist里不合时宜的深沉，也终止了Beyond The Neighborhood的融合试验，只是让真情由着他们的才气随意而为。于是Black Swan如同这些年Athlete的内心写照，音乐中能感受到一种看透世事的坦然。或许，对Athlete而言，Black Swan的诞生，如同一次终结，让一切又回到了最开始。

(原载于通俗歌曲，未经准许不得转载)

夜幕隆起，心情会在某一个时间和空间的聚合点凝结成一份孤寂的心绪，虚空而飘渺。这样的感受在过去的很长一段时间里经常出现在我的意识里，伴随着抑郁情绪的爆发，我时常以沉默对抗。或者，这样的时候我会选择倾听一下The Used的声音，或狂躁神经质，或激扬跋扈，或温存悲伤，或亢奋铿锵。The Used制造了一种奇特的音乐气场，爆裂而充满美感，令人为之癫狂，沉溺中获得一份心灵的释放。

在颓废萎靡里诞生

2001年犹他州的一月，冷寂依旧，像极了冗长乏味的电影，在时间长长的隧道里突然卡带，发出举步维艰的古怪声音。吉他手Quinn Allman，鼓手Branden Steineckert还有贝司手Jeph Howard受够了这样庸碌萎靡的生活状态，决定做一些能改变他们生活状态的事情，于是，他们决意各自离开了之前萎靡不正的乐队，组建了Used(The Used是之后改的)。三人窝在Branden的卧室里，创作了大量的作品，似乎卯足了一股劲，要做出具有颠覆性质的作品，并用简陋的设备记录下来，《Maybe Memories》就是这个时候的作品。但对音乐极具想法的三人面对主唱的问题上都傻眼了，他们试用了几乎所有能找到的歌手，但他们最终的评价基本上都是“糟糕”，乐队的组建陷入困境。当时陷入绝望的Quinn突然想到了他的朋友Bert McCracken，一个生活处于崩溃边缘的瘾君子，Quinn处于走投无路，怀着一种死马当活马医的复杂心情，向Bert发出了邀请，同时，Quinn也带着一种能把好友Bert从生活泥潭里拉出来的希望。也正是这次决定，不但解决Used当下的困境，更是促成了一支日后在EMO音乐里独领风骚的乐队。在之后的几年时间里，Bert McCracken用他神经质到失控的嗓音和现场感染力征服了众多乐迷的心，并且在EMO音乐里竖立起了音乐暴力美学的标杆。

Bert在Quinn的引荐下，听到了Used的音乐，随即写下歌词，隔天就将自己录好的Demo让乐队的其他成员试听，Branden和Jeph当下就表示欢迎Bert的加入，仿佛一下得来全不费工夫。Bert和Used的咬合就是如此迅速而神奇。此时的Used依旧窝在每天窝在Branden的小房子里艰苦的探索音乐之路，虽然怀揣着一份对音乐的热诚和信念，但生活上的他们，也已经是颓废落魄到了极点，无家可归，长期吸食毒品，导致他们的生活进入了一个周而复始的恶性循环。

天无绝人之路，他们的贵人适时的出现了。Branden将录制好的一个Demo送给Goldfinger的主唱兼制作人John Feldmann。作为Sky Punk的代表乐队的灵魂人物，John不但具有音乐天赋，而且具备了伯乐的慧眼。在听到了《A Box Full Of Sharp Objects》之后，即刻就希望能签下他们。Used的命运由此改变，他们从Branden的小卧室里走出来，正式开始了他们具有开创性的音乐之路，也开始了乐队与John Feldmann长达将近7年的合作，虽然期间经历了种种困难，但最终他们还是在2001年底签约了Reprise厂牌。

在癫狂情绪里成长

2002年初，由于发现了波士顿一支乐队也命名为Used，于是乐队决定更名为The Used。更名后的The Used在John的帮助下，于同年制作发行了同名专辑，随后便一发不可收拾的开始了一段充满惊悚性质的音乐之路。《The Used》是乐队开宗明义的专辑，在这张专辑里，The Used的音乐里由神经质和紧张失控而建立起来的音乐暴力美学已经初露端倪。在生活边缘挺过来的四人，用音乐宣泄所有的愤怒和内心的不安与恐惧，所以这时期的作品总是带着对现实的抨击甚至是遗弃。狂乱不羁的《The Taste Of Ink》，赋有诗意悲剧色彩的《Poetic Tragedy》，悲烈凄厉的《Buried Myself Alive》，尖锐紧张的《A Box Full Of Sharp Objects》等等作品，都表达了这样的主题，同时也奠定了The Used风格的主旋律，这在当时已经略显疲软甜腻的EMO音乐里，犹如一记横空出世的响雷，让所有人一下震住了。于是，乐迷趋之若鹜，媒体的关注的蜂拥而至。趁着这样的市场势头，乐队又发行了一张集合了一些现场作品、早期Demo和几首未发表作品的特辑《Maybe Memories》，并附上了一张MV及现场的DVD。即使是这样明目张当的炒冷饭赚钱的把戏，还是获得了乐迷们的拥戴，足见The Used的如日中天。

这样的音乐和声音延续到了第二张专辑 《In Love And Death》。从颓废糜烂的生活涅槃而来的The Used，开始重新认识生活， 并从伍迪·艾伦的电影《爱与死》里获得了灵感，于是将专辑命名为《In Love And Death》，预示了这将是一张思考爱恨生死的作品。于是我们在专辑里听到了献给死去的怀孕女友的凄美歌曲《Hard To Say》，自嘲无奈的《All That I’v Got》，自大狂妄而虚无的《Take It Away》等等作品。对于一支Screamo乐队来说，能完全抛开对于愤怒表达的热衷，将表达的矛头指向一个更广大更深刻的主题是非常难能可贵的。同样是EMO翘楚的My Chemical Romance在2006年《The Black Parade》才完成了这样的转变，而The Used在2004年的《In Love And Death》已经做到了这点。虽然，这是一张具有概念性质的专辑，但出自The Used就得狠狠地烙上Bert的神经质印记。《Take It Away》里听到的是几乎撕裂声带的声音“Burn The Sun，Burn The Light，Take Take Take Take Take Take It Away”像要刺破耳膜般尖锐；《I’am Fake》里由念白转而声嘶力竭的突进，也拉扯着听众的情感承受力。在这张专辑里不但看到了The Used技术上的成长，更重要的是感受到了乐队来自思想的成熟。

2007年的《Lies For The Liars》应该是The Used最好听的一张专辑了，也是所有专辑中个人最心仪的一张。《Pretty Handsome Awkward》结合噪乱的吉他失真，融入了一点舞曲的节奏，人声领衔的流畅旋律快而不乱，整体听起来的感觉棒极了。另一首《The Bird And The Worm》从前奏的不和谐弦乐中就延续了乐队一贯的紧张风格。最让人惊艳的是，《Smother Me》里钢琴的运用，令歌曲的悲感一下就得到了很好的渲染。而《Liar Liar(Burn In Hell)》作为专辑的主打歌曲，更是从音乐的力道和旋律的把握上彰显了The Used的实力。毫无疑问，这是一张值得反复聆听的专辑。

很兴奋能看到一支乐队一步步成长，然后到蜕变的过程。如果说《The Used》是乐队积压已久的悲愤喷涌的锋芒毕露，《In Love And Death》是乐队从思想上提升音乐的尝试，《Lies For The Liars》是一张四平八稳的市场作品，那么2009年的《Artwork》则是对自身的一次突破，是乐队的一次蜕变，从而奠定了音乐暴力美学的审美体系。

在暴力美学里蜕变

2008年是The Used的一个关键点。基于前三张专辑的出色表现，不但获得了乐迷的疯狂追捧，而且主流媒体也给予了相当的肯定。事物发展到一定阶段就必须遇到瓶颈，只有突破瓶颈才有机会获得新的发展。The Used此时就碰到了这样的问题，之前的专辑中都有意无意会将流行元素融入混乱的编曲中，而2007年的《Lies For The Liars》可谓是把流行元素发挥到了极致，《The Bird And The Worm》挤进美国现代摇滚排行榜前十就是最好的证明，这也是获得主流媒体大力追捧的原因之一。此时的The Used面临选择，是加入更多的流行元素而让歌曲更朗朗上口，还是将音乐做得更暴力更美感。显然，The Used选择的是后者。于是他们经过深思熟路后放弃了自己的伯乐兼老搭档制作人John Feldmann，而改签了鬼才制作人Matt Squire。而鼓手Branden早在08年2月，录制完成EP《Shallow Believer》后正式离队(其实2006年8月Branden已宣布离队)。这些选择和改变对The Used而言都是具有革命性的，这些种种凝聚在一起，让我们在2009年8月听到了一张更重更混乱的新专辑《Artwork》。

《Artwork》的专辑封面极具视觉冲击力，红色的基调上呈现出肮脏颓败的画面感，一个男人正在用注射器将装满Art的药物注射进刻着Work字样的手臂，这些符号化的内容带着深刻的隐喻色彩。而在专辑里，The Used将流行曲调尽量磨平，进而将以往专辑里的癫狂情绪和沉重感打乱重组，努力制造更混乱更具暴力质感的音乐。《Blood On My Hand》是专辑的第一首单曲，躁乱的吉他节奏先声夺人，而随后跟入的失真音色贝斯带来了一份厚重感，Bert对时而紧张时而奔放的的情绪控制自如；到了《Empty With You》，贝斯延续了沉重的音色，这样的贝斯音色对制造整张专辑的沉重基调起到了很重要的作用；《Meant To Die》是一首关于死亡的生命挽歌，激昂的旋律和几乎失控的嗓音的是最大的亮点；另一首不得不提到的是《Kissing You Goodbye》，继《Smother Me》后的又一首钢琴编曲的优秀作品，而且个人认为这是The Used所有悲情歌曲里面最撕心裂肺的一首。

The Used在新专辑里的表现堪称完美，将与生俱来的暴戾狂乱气质与最柔软细微的情感巧妙的拼接在一起，让音乐在呈现暴力一面的同时，也渗出了动人的情愫，《Kissing You Goodbye》和《Sold My Soul》就是这样的代表作。其实，说到The Used音乐里的暴力美学，当从听觉来衡量是远远不够的，更应该从现场去体验这对矛盾体带来的感官刺激。现场的The Used仿佛变身成了被舞台限制的困兽，能将野兽般的暴戾立体化，撕扯嘶吼、挥拳舞脚、面目狰狞都是乐队现场最自然的表现。而当Bert在现场唱起《Hard To Say 》、《Smother Me》和《Kissing You Goodbye》这些歌曲的时候，披散的长发随意掩盖着Bert憔悴疲倦的面容，嗓音清澈透亮而情感饱满，整个画面是一副落魄凄美的映画。这样的场面交错出现，将暴戾和美感两者的矛盾巧妙融合，形成了当下EMO里最为人称道的音乐暴力美学。

在悲情孤寂中释怀

或许大多数人都是The Used暴戾作品的忠实拥戴者，诸如《Take It Aaway》《The Taste Of Ink》《A Box Full Of Sharp Objects》《Ripper》《Meant To Die》等等作品，确实是堪称Screamo经典，个人也非常喜欢。但相对于这些歌曲的狂吼嘶喊，个人更钟情于The Used抒情歌曲里的孤寂落寞和撕心裂肺。这些抒情歌曲形成了乐队所有专辑里非常浓烈的一抹情感。

纵观The Used所有专辑，每一张都会有一首到两首的抒情慢歌。这些歌曲不但缓和了整张专辑急促狂躁的节奏，不至于一冲到底而显得乏味枯燥，而且在情感上也让专辑显得更饱满立体。《The Used》中的《Poetic Tragedy》、《Blue And Yellow》和《On My Own》是乐队最早的抒情歌曲，虽为慢歌但依然建立在噪的吉他框架中。相比之下，往后的抒情歌曲在配器方面显得更干净。到了《In Love And Death》时期的《Hard To Say》和《Yestoday Feeling》，The Used的抒情作品由这两首歌曲为始点开始分化。一是以《Hard To Say》为代表，情绪不断上升，由浅吟低唱到声嘶力竭的悲烈的渐进。这样的作品到了《Lies For The Liars》是由《Smother Me》来担当，而到了《Artwork》的《Kissing You Goodbye》则发展到了巅峰。这类抒情歌曲也成为了乐队最受欢迎的作品，个人也非常期待下一张专辑里The Used在这方面的表现。二是以《Yestoday Feeling》为始点发展而来的，相对比较平缓的抒情，这样的作品有点类似Taking Back Sunday的《New American Classic》。但很明显，Bert对于这类作品的把握不如Adam Lazzara(TBS的主唱)，所以在《Lies For The Liars》里的《Find A Way》之后加重了配器的噪，以掩盖这类作品在情感表达上的缺陷，到了《Artwork》直接就不见了踪影。

2009年的The Used用一首《Kissing You Goodbye》将这种感伤缅怀的情绪渲染到了极致，音音凄厉，声声悲悯。凌驾于极端的狂暴躁动和极端的伤怀悲哀之上，折腾于大起大落的情绪变化中，相信这对于乐队来说也是一种释放。

乐队：The Used

专辑：Artwork

风格：Screamo/EMO

厂牌：Reprise

星级：★★★☆

也许更多人认识The Used是从乐队那首结合了癫狂和凄美的成名作《The Taste of Ink》，编曲层次分明，主唱Bert的唱腔爆发力十足，而且旋律上更是让人惊艳。这首歌也开宗明义地展露了The Used的音乐特质，气氛紧张，旋律激进，主题阴暗诡异。这样的The Used让人痴狂，令人欲罢不能。但The Used最初令我痴迷的歌曲，却是乐队2004年专辑里，主唱Bert写给他因为药剂过量而死去的怀孕女友的歌曲《Hard To Say》。编曲的音乐性被弱化，增添了弦乐对于悲情的烘托，Bert褪掉那些令人惊悚的带血装，凌乱的长发也被精心梳理，沙哑的嗓音由沉溺的中音区域，渐进到高亢有力极具穿透感的高音区域，情绪在挣扎和释放边缘反复。心碎而令人沉迷。

The Used是一只兽性大发的野兽，是一只不受捆绑的野兽，给人恐惧和压迫感。乐队极具视觉冲击力的现场演出，你甚至担心他们会从舞台上奔下来咬你一口。听听《A Box Full of Sharp Objects》、《Take It Easy》、《I Caught Fire(In Your Eyes)》、《The Ripper》、《The Bird And The Worm》、《Liar Liar(Burn In Hell)》等等歌曲吧，看看他们是如何讲这种暴戾的也行诠释地酣畅淋漓的。但The Used同时也会有温情的一面，《On My Own》的祈求、《Poetic Tragedy》的无奈、《Hard To Say》的悲情、《Smother Me》的深情等等，这些充满悲悯的歌曲，让人心生怜惜。矛盾而极端的事物会具备独特的美感，散发令人痴迷的魅力。The Used就是这样创造着乐队专属的音乐暴力美学。

The Used将这样的音乐美学理论延续到了2009年的新专辑“Artwork”里。如果说之前的专辑The Used自觉或不自觉的地融入了流行味，典型代表是《All That I’ve Got》，那么新专辑里则是将这样的流行尽量削弱，同时将之前专辑中一以贯之的紧张感和沉重感打乱，重新拼接之后，尝试制造着更混乱更具噪音质感的音乐美学。Blood On My Hand》噪成一片的失真吉他前奏先入为主营造氛围，入唱后贝斯也加了失真音色，让音乐特质呈现出一种浑浊的状态，主唱的Bert时而撕裂的吼唱时而低吟浅唱，感情饱满，张弛有度；失真的贝斯延续到《Empty With You》，浑浊在流畅的旋律里被削弱了不少，但仍能给人以压迫感；到了《Born To Quit》，吉他再次成为主角，无论是前奏有力的Chord riff，还是贯穿全曲的Solo Riff，都让人惊喜；《Sold My Soul》的贝斯显得更加沉重浑浊，这样的质感几乎被运用到了专辑的角角落落，形成了令人瞠目的特色，另外《Sold My Soul》最后那30多秒突入起来的感伤也成为了歌曲的亮点；而专辑中主题最为沉重的《Meant To Die》，是一首关于正视死亡的生命挽歌，激扬的旋律加上Bert的嘶吼，给人以警世；如同The Used之前所有专辑，新专辑也收录了一首慢板悲情作品《Kissing You Goodby》，是继《Smother Me》后又一钢琴编曲引领的力作，可惜除了旋律上更动人，基本上就是《Smother Me》的翻版了。

新专辑中的进步体现了The Used思想里具备的包容性以及进取心，而这很大程度上又是需要归功于鬼才制作人Matt Squire对音乐的精准把握的。作为当今EMO界里数一数二的大牌乐队，The Used必须具备成为一支引领风潮的潜质和霸气，我相信他们也是朝着这样的目标在一步步行进。

下载：Rayfile

板砖用携带着一股股或愤怒或诙谐情绪的音乐，制造出一颗颗火辣辣的炮弹，向你轰袭。

有如Anti-Flag的的铿锵律动，猛烈凶悍。

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板砖：我们是4个裸奔在牛逼道路上的傻逼

从武汉来杭州将近一年时间，却没碰上像样的朋克演出，偶尔的小打小闹也由于我需要返校而错过了。躁动不安却无处发泄。早闻杭州Old School有板砖，New School有EA。可就没听说过他们有演出。这也难怪，杭州的演出除了今年三月份我由于帮朋友搬家而错过的反光镜以及之后的一支国内二流朋克乐队再循环之外，就没听说过有朋克演出了。不是朋克专场，当然不会请朋克做嘉宾乐队。像那些声音碎片这种风格的，则有梵天暖之。而且杭州这么秀气的一个城市和人文环境，对于朋克的脏和乱和躁也总是有排挤之意。所以杭州本地的朋克乐队少，朋克演出少也就理所当然了。而且对于我一个从朋克之城武汉过来的小乐迷来说，这样的反差当然会让我憋屈。

9月11日的旅行者演出，我期待了将近一个月，美国Old School乐队Urban Decay的专场，嘉宾乐队是板砖。当然，当晚我也怀着一份完成任务的心情去看这样的演出，不过这丝毫没有影响到我对这现场的投入，即使我没有加入那疯狂的Pogo群里，或者确切说那是Mosh，对于一个瘦小而需要保护相机的我来说，未免太有难度了。其实当晚的现场志，我已投稿非音乐第63期，希望能顺利刊登，一来赚点外快补充一下家用，而来也借此机会多积攒点人脉。

喜欢朋克的朋友或许都会知道Joyside，近期他们的告别巡演也掀起了新一轮的朋克哀伤论和朋克末日情节的爆发，从气质上说个人也非常喜欢他们，主唱边远整一个就是Jim Morrison的酒鬼气质加上浪子的Pete的痞气，而音乐的感觉则是Sex Pistols的借尸还魂。但我想说的是，相对板砖的硬碰硬的音乐，Joyside的音乐软了，总是带着酒醉的熏味。此时此刻，对于在杭州被压抑了这么久，我更倾向于板砖的躁动。当然，以后想看Joyside估计也没机会了，借此机会缅怀一下。

板砖荣誉出品

当晚的板砖从到躁到尾，主唱麦田的嗓音是带有Screamo的成分，很有力道；吉他手大钟则是我当晚最爱的人，憨厚的笑容搭配着一个另类别致的鸡冠头；贝司手大牛是整个乐队现场最有霸气的人，开场就吐烟头，差点没点着观众的衣服；而鼓手孔孔急促稳健的鼓点给板砖的音乐架构了稳定的框架，随后就坐着孔孔的车去与板砖们寻欢作乐。板砖的结束曲目是我那首诙谐幽默的《我是你的卫生巾》，录音版本非常的清新俏皮，来到现场就转成了燥乱的吉他音墙和张狂的吼唱。

这样压抑的夜晚，需要一些燥乱，需要一些像板砖这样的音乐，需要一些像板砖那样的生活的哥们给庸庸碌碌的生活带来一些激情。

与大多数人一样，第一次听到的Lisa的声音，实在Damien Rice的歌中，或隐或现，犹如独立于歌曲之外的天籁，却是与Damien Rice这样苦情闷骚的嗓音相映成趣，一粗一滑，一硬一柔，听来真是搅得我心绪汹涌。那段时光，应该是大三的时候，常常一个人深夜里倾听这样的苦情，或者在公交车有阳光的一面凭窗而听，当然，那时候关注的主要是Damien Rice，但也时常刻意选择有Lisa献声的歌曲。

随后，听说Lisa离开了Damien Rice，再后来，听说她开始筹备自己的专辑。上网搜集资料，却零星得可怜。像这样的独立艺人，而且从声音就基本上可以判定的内敛个性，低调总是他们一贯的行事风格。于是，我也放弃了大量打捞Lisa信息的念头，只由着或这或那的零星消息，慢慢传来，随意浏览，随意忘掉，因为我更希望听到的是她的声音，记住她的声音。我觉得，这也是Lisa最希望呈现给大家的东西。

然后，我就听到了那张Sea Sew。脱胎于Damien Rice时期的Lisa，又比那时期的Lisa丰富了感情，多了节奏上的变化。听完整张专辑，当即欢喜得不得了。当时还给谋职的那家音乐网站写了这专辑的碟评，可惜的是，网站由于种种客观、主观的原因，现在处于休克状态，这多少有点让我心疼。当时写到“丝绸般柔滑的声线，附着轻柔的旋律，融合成这令人舒缓沉迷的音乐，情感细腻饱满，温存性感，Lisa Hannigan终于不用跟着Damien Rice哼哼唧唧，细声嫩气地扮演情感便秘的闷骚女了，终于在歌中有了更立体的自己”。当时对《Lille》这首歌是喜爱得不行了，上班时间几乎每天都要听，后来干脆直接推荐到新一期的Indie好歌里，作为那一期的主打，呈现在网站的听众面前。如果，有朋友因为我微薄的行为，而喜欢上《Lille》，开始关注Lisa，我会感到无限的光荣。

之后，也就是昨天，在水星音乐颁奖典礼上看到了Lisa的身影，心中一阵暗喜，这样的音乐本就应该获得肯定。作为12名提名艺人之一的Lisa，上台演唱了《Lille》。第一次看她的现场，配器上她在努力还原CD，而嗓音上却比CD音质有着更浓烈的吸引力。气若游丝的声线流进心扉，撩动得酥麻缠绵，中音部分的音质柔滑富有弹性，听在耳里却如同口里含着一块巧克力，高音部分却是明亮通透。个人最爱的就是Lisa在高音部分停留时带来的听觉享受，美极了。

可惜的是，Lisa意料之外的没有获得水星奖。而是玩女黑说唱的Speech摘得了桂冠。水星从来就是以玩大冷门而著称。看罢现场所有提名艺人乐队的演出，我当时就被雷住了。一遍又一遍的怀疑是不是自己的听觉神经和视觉神经出了问题，怎么看来看去都是一堆在搞实验另类的人在台上搅和。Jazz noise都来搅一腿，其他的不是高音干涩而诡异的La Roux 就是不知所云的Friendly Fire，难得我有耐力看完这些演出。虽每个的演绎都张力十足，张扬跋扈，但就那些作品，我一时还无法接受他们能成为12提名之一。难道是那些作品的深刻不能在一次如此简短的表演里尽显，又或者是我自己的音乐理解能力和接受能力短路了。再或者，就是我实在太爱Lisa的《Lille》了，以至于由此不小心产生的种种偏见，使得我从心底里抵触其他选手。

大爱Lisa Hannigan！下载：Rayfile

 发两个《Lille》的视频，一个MV，一个现场。

暂时找不到水星颁奖典礼上的现场视频，但这MV的表演有同样的精彩。

太喜欢这两本书了，仿佛一个神奇的大千世界。

Lille（里尔）是法国北部的一个城市，书的内容也与里尔城市的趣味应该托不干系吧。

好奇，这两本书是不是Lisa亲手做的，如果是，哦买噶，我中的毒又加剧了。

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艺人：Lisa Hannigan
专辑：Sea Sew
风格：Indie/Folk
厂牌：Hoop（Ireland）
时间：2008年9月

丝绸般柔滑的声线，附着轻柔的旋律，融合成这令人舒缓沉迷的音乐，情感细腻饱满，温存性感，Lisa Hannigan终于不用跟着Damien Rice哼哼唧唧，细声嫩气地扮演情感便秘的闷骚女了，终于在歌中有了更立体的自己。
《Ocean And A Rock》《Venn Diagram》延续了Damien Rice的编配，但Lisa在消沉之余多了一分释然，轻松了一点；Lisa在《Sea Song》《Splishy Splashy》中，开始完全摒弃了Damien Rice的影响，开始了属于自己的深情曲风，清新中夹杂点俏皮；最骗人要数《I Don't Know》开头那段哀怨的提琴，本以为会来个女版Damien Rice，谁知道突然一转，曲调成了快乐踢踏曲，有意思；如果要看一个全新的Lisa，那就得在《Keep It All》里，慢慢体会她的每一个唱音；最出彩的要数专辑的最后两首《Teeth》和《Lille》，其实《Teeth》就是首翻版的《Cold Water》，但彩就出在Lisa那气若游丝的演唱上，让情感都有了纹理，而《Lille》则突然化身轻快的音符，随风飘飞。

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从来都没有办法解释第一次听到这张唱片时的心情，这或许与个人当时境遇息息相关。极具的沮丧和无所事事，怀揣着远大的理想以及为之付出艰辛和执着的努力，却得了个怀才不遇的境地。需要宣泄是当时每时每刻的强烈愿望。于是，接触到这样或愤怒、或悲痛、或癫狂的音乐，沉溺其中也就理所当然了。

1999年组队的Underoath，最开始的道路并不顺畅，以至于出了三张专辑后，第一人主唱离队。此时加入的Spencer Chamberlain让乐队从Metal-Core的套路里走出来，减轻了吉他的沉重，便配上流畅的和弦走向，重新以Post-Hardcoe 的姿态出现在乐迷面前。除此之外，让人惊艳的是他们讲沿袭自EMO的双主场形式发挥到了一个难以模仿的高度。Spencer撕心裂肺的嘶吼和鼓手Timothy McTague高亢清亮的声线相互辉映，互相弥补，不但呈现了一个完美的旋律姿态，更重要的是这样的配唱结构，给听者最直接的就是听觉上极具震颤的紧张感。

"天堂之于地狱，野蛮之于文明，强烈的对比效果，Underoath向我们传达的是一种破坏、不羁和叛逆。"

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《Best Damn Thing》的发行，正式宣告了Avril从一个Punk女（当然，许多Punk死党，从来没有认为Avril是Punk，那样的人同样认为Sum 41，Green Day都是狗屁的，他们的Punk概念之存在于70年代的Old School 和80年代的Hard Punk，奉行的是Punk式生活，在给予这些人崇高的敬意的同时，给予无可奈何态度）后正式转入主流流行音乐领域。随后便与Sum 41主唱Deryck Whibley结婚，之后更是接拍各类时装代言。

恩，这在许多人眼里是离经叛道的事情，当然我也这么认为。于是，虽然很喜欢《Best Damn Thing》里动人的旋律和漂亮的吉他段落以及干净的钢琴，但我还是带有抵触的心理，尤其是那首明显带着刻意讨好大众的主打歌曲《Girl Friend》。所以，至今我的电脑里还是没有那张专辑的影子。估计不知道被我塞哪里，然后直接当垃圾删掉了。虽然，有点难接受一直热爱的那个Punk女王成为转为流行，但从音乐本来鉴定的话，《Best Damn Thing》决定是一张很棒的专辑，尤其比那些陈词滥调，甜腻耐俗的流行歌曲精彩不止上千了。

从校内分享里看到这个是视频的时候，一下就被优雅坐在椅子上轻松而具有爆发力演唱的Avril吸引住了。就一个感觉，唱再流行的歌曲，Avril还是Avril。她那不可替代的嗓音，举手投足间展示的那份不羁和狂野，绝不可能是那些在糖果纸里成长的流行歌手所有具备的。这样的人，无可复制，更不可改变。